Project X

Trio di liceali non proprio "cool" organizzano festa a casa di uno del gruppo, per il suo compleanno. Tra Facebook, passaparola efficace, radio e Craiglist, la voce si diffonde, ed al party arrivano un po' di più dei 50 astanti previsti.

È un po' Cloverfield con le riprese effettuate (fintamente) con una telecamera a mano, un po' Superbad con l'apparente rivincita degli sfigati, un po' Una notte da leoni con la situazione che via via precipita sempre di più. E sopratutto sembra di essere stati catapultati in un lunghissimo video di YouTube con la musica a palla e la possibilità di condividere i contenuti sui social network.

Quello che rimane, dietro alla facciata innocua del film trash è il ritratto di una generazione senza aspettative, senza prospettive, senza idee per il medio è lungo termine. Un generazione pronta a buttare ogni cosa pur di passare una notte da sballo. "Con questa notte hai buttato via il tuo futuro" si sente dire uno dei protagonisti. Ma chi gli rivolge la frase non la pronuncia con fare di condanna, ma quasi di ammirazione.

Siamo in presenza di un'orda di ragazzini che tenta di vincere la noia esistenziale e sociale attraverso l'accumulo di droga, alcol, sesso, distruzione. Senza connotare questo disagio con nulla, se non la voglia di fare o distruggere qualcosa. Pur essendo ricchi ed a tratti belli ricordano, per certi versi, quei branchi di emarginati periferici che per noia violentano turiste o studentesse: ogni mezzo diventa lecito pur di essere qualcuno e di uscire da una quotidianità non abbastanza cool. 

Dietro al divertimento si intravede e tratti il macabro, ed un certo odore di morte. Tutti i personaggi sono inconsistenti, vuoti, senza carattere, regrediti, violenti. Le donne mero oggetto sessuale, per maschilismo e per loro precisa volontà. Gli adulti appaiono immaturi, senza polso, incapaci di proporsi come guida morale: è il ritratto di un paese e di una società in disfacimento.

Si ride non poco, comunque.

Voto 7/10

Diaz - Non pulire questo sangue

Cosa successe durante il G8 del 2001 a Genova. Come e perché si arrivò all'assalto della Scuola Diaz e alle torture della caserma di Bolzaneto.

È un film horror, non un drammatico. È difficile da digerire, pensare che tutto ciò sia avvenuto nella civile Italia, nel belpaese solamente 10 anni fa. La banalità del male mostrata, ricorda quella dei nazisti (le croci segnate col pennarello sui volti dei prigionieri), del processo ad Eichmann, delle dittature sudamericane (come mostrato nell'intenso Garage Olimpo), dei fascisti di Salò (vedere, in merito, lo straordinario film di Pasolini).
La vera anarchia è quella del potere, che tutto può.

Poliziotti alternano telefonate alle fidanzate in cui progettano l'acquisto di un biglietto per il concerto di Ricky Martin, ai pestaggi ed alle torture più efferate. Senza che ve ne sia motivo alcuno.

"Io i miei non li reggo più" dichiara un comandante della polizia ad un altro, alludendo alla voglia di menane le mani. Perché, vien da chiedersi? Perché tanta voglia di sopraffare, dando sfogo ai più bassi istinti (in)umani?  

Vicari ha il grande merito di non ridurre tutto al filmetto manicheo tra buoni e cattivi. Non esista a mostrare in apertura le scorribande dei black bloc (o chi per loro), non presenta una serie di manifestanti altamente morali, indugia persino su qualche poliziotto meno peggio degli altri. Ma non targiversa nel mostrare l'efferatezza delle scorribande compiute dai poliziotti. Non si gira dall'altra parte quando c'è da mostrare con l'indice il comportamento disumano di medici e carcerieri nella caserma di Bolzaneto. Non omette le scandalose manipolazioni compiute dalle persone in divisa.

Alcuni avranno certamente notato la totale assenza dei politici e della politica nel film. Eppure Berlusconi era lì, Fini in questura, Castelli, si dice, in caserma. Non credo sia stato un caso voler glissare sui nobili rappresentanti del popolo: Vicari punta prima di tutto sulle certezze (la sceneggiatura è tratta in parte dalle sentenze della magistratura) e non vuole che il film perda la sua aura di credibilità a favore di un incerto (almeno giudiziariamente) complottismo. Non deve essere un film sulla strategia della tensione, in cui ci sono mille indizi e zero prove, ma una denuncia seria, documentata, certa. Meglio a questo punto sottrarre (come è stato fatto) pur di poter rivendicare la totale certezza e veridicità di ciò che è stato mostrato.

Inoltre i politici avrebbero compromesso uno dei messaggi profondi del film, e cioè mostrare la cattiveria umana. L'insensibilità, la natura del branco, la crudeltà fine a sé stessa. Vedere in azione decine di esseri umani che si appropriano della dignità di altri per il puro gusto della bestialità, è un'esperienza che parla da sé, che non ha bisogno del corollario dei politici.

Può il valore di un film prescindere dalle sue qualità artistiche? Probabilmente no. Ma il film di Vicari è comunque di buona qualità. Va quindi visto non solo per "il piacere degli occhi", per il gusto della fiction e per tutte le solite motivazioni che ci portano in sala, ma anche per informarsi. Per mantenere lucida la memoria storica. Per rinsaldare la propria vocazione all'indignazione civile. Per continuare ad essere compiutamente cittadini.

Voto 7/10

Miracolo a Le Havre

Lustrascarpe di Le Havre si trova ad aiutare un ragazzino africano (clandestino) nei suoi progetti di fuga per Londra. Intanto sua moglie è all'ospedale per un cancro. Non tutto è facile. Ma neppure difficile.

Il titolo italiano, che aggiunge "miracolo" a quello originale è forse più azzeccato: siamo davvero di fronte ad un miracolo. I cittadini, tranne qualche eccezione (Jean Pierre Leaud, enfant prodige di Truffaut, ora ridotto ad interpretare un  vecchio 70enne delatore) si aiutano tra di loro, la polizia è umana e compassionevole, i tumori devastanti si placano, le mogli tornano dai propri mariti anche dopo le peggiori liti e tutto sembra a portata di mano. E così, ogni cosa inverosimile sembra trovare posto e soluzione nella sinfonia di Kaurismäki.

André Wilms è uno splendido protagonista che non può non ricordare, almeno fisicamente Charles Bukowski,e che non perde mai la propria dignità, ed anzi, ricorda che tutti, anche gli ultimi, hanno una loro ragione d'essere e possono sempre rivelarsi utili per gli altri.

Kaurismäki confeziona un film alla vola lento e piacevole, melodrammatico e comico, neorealista e fantastico, dove tutto ha fascino senza mai essere di maniera. Certo, il buonismo fiabesco e malinconico del film potrà aver irritato i cinici e quelli che apprezzano solo film pseudo filosofici alla Faust, ma è così bello ad appagante assistere ogni tanto ad un miracolo vero ed (in)aspettato: un lieto fine sentito.


Voto 7/10

Ps

Bello il rock nordico di alcune canzoni, ricorda lo splendido L'uomo senza passato di una decina di anni fa.
E com'è bella ed affascinate Le Havre.

La Talpa - Tinker Tailor Soldier Spy

Londra, Servizi Segreti 1973: c'è qualcuno che fa il doppio gioco con il KGB. L'agente, in pensione, Smiley  deve indagare su ordine, segreto, del governo. Ne verrà difficoltosamente a capo.

Portare sullo schermo un romanzo di Le Carré è sempre una sfida. Le trame sono sempre fitte, piene di rimandi, di intrecci - a volte non pienamente comprensibili - e di (semi) colpi di scena. Eppure Alfredson (quello di Lasciami Entrare, caso raro di film sui vampiri delicato e ben riuscito), non sbaglia quasi nulla. Le atmosfere cupe, polverose e ministeriali sono ben tradotte, e la storia mantiene una certa coerenza.  E' chiaro che il regista sia conscio che la materia sia poco chiara e poco adatta ad una spiegazione lineare (il continuo rimando ai binari che si intrecciano senza fine non è casuale), che i personaggi a volte perdano un po' di credibilità, e che qua e là ci sia qualche buco e qualche sottotrama mal spiegata (è dura seguire in 2 ore circa 10 personaggi che si muovono tra Londra, Parigi, Mosca, Istanbul e Budapest) ma nel complesso il film scorre bene.

Voto 7-/10

Ps

Belli gli scorci di Budapest ed Istanbul.

Cult, ma davvero, la cover finale de La mer, di Julio Iglesias

Catching Hell

In che modo si attivano le dinamiche legate al capro espiatorio? Qual è il ruolo dei media nel creare il mostro? Alex Gibney cerca di fornire il suo punto di vista partendo dai casi di Bill Buckner e Steve Bartman, entrambi legati al mondo del baseball. Il primo è un ex giocatore dei Boston Red Sox che nel 1986 commise un clamoroso errore (non decisivo) in un frangente topico della gara 6 (si gioca al meglio delle 7) delle finali; il secondo un tifoso dei Chicago Cubs che, nel 2003, sempre nella gara 6 (delle semifinali) si sporse per prendere un palla che stava finendo fuori campo, ostacolando un giocatore della sua squadra, e finendo per far perdere il punto (non decisivo) al team. Su entrambi, benché fossero responsabili in modo diverso, di errori non decisivi, e rimediabili, si abbatté la furia popolare ed il pubblico ludibrio. Tuttavia, mentre Buckner è un professionista, che ha messo nel conto l'essere sotto i riflettori dei media (sebbene, ne esca fuori un uomo distrutto moralmente), Bartman è solo una ragazzino (a kid, a fan) che si trova invischiato in qualcosa più grande di lui. Vive da anni nascosto, rifiutando ogni apparizione.

Gibney mostra come la mentalità animale del branco si impadronisca della folla, e che per l'uomo medio sia più facile incolpare il singolo di tutti i problemi piuttosto che analizzare la situazione complessivamente. Si parla sì, di sport, ma anche della vita in generale. Della piccolezza umana, che pur di rifuggire nei confronti della proprie responsabilità, pur di rifiutare la sconfitta, preferisce additare un singolo e caricare sulle sue spalle ogni onta e riprovazione. I due, Buckner e Bartman, sono responsabili di un errore, ma come viene mostrato chiaramente, non risultano decisivi per le sconfitte delle loro squadre. Vengono però presi come responsabili perché entrambi appaiono come i più deboli, i più facili da incolpare, i più vulnerabili. Ed i media, che pur sono consci delle proprie responsabilità, capiscono troppo tardi d'aver incentivato il mostro.

E' bravo il regista a suggerire che non siano i giocatori a dover essere perdonati dalle rispettive città per i loro errori, ma siano piuttosto loro a dover perdonare Boston e Chicago, per il modo in cui sono stati trattati, umiliati ed offesi. Se nel caso di Buckner ciò (il perdono e la riconciliazione) può avvenire grazie alla catarsi della vittoria del campionato di Boston (20 anni dopo), per Bartman è ancora impossibile: i Chicago non vincono (del resto, non lo fanno dal 1908), e lui continua a vivere nell'ombra.
Così assistiamo alle immagini del povero Bartman, con i suoi buffi auricolari, il suo cappellino da tifoso e la divisa della squadra di ragazzini di cui è allenatore, insultato da 50.000 tifosi che gli danno del coglione, mentre sprofonda sempre di più, incapace di opporre resistenza di fronte a tanta ostilità ed ad un odio così feroce quanto irrazionale.

E' un uomo solo di fronte alla stupidità umana. Ed è destinato a soccombere.

Voto 7.5/10

PS

E' un caso che entrambi gli episodi avvengano quando al potere vi fossero prima Reagan e poi Bush Jr, ovvero due campioni dell'ideologia repubblicana, dell'odio nei confronti dell'altro, della competitività ad ogni costo?

Blue Valentine

Giovane coppia americana di provincia (Pennsylvania), alle prese con le sofferenze dell'amore e la variabile più incomprensibile: la vita.

C'è qualcosa di perfetto nell'imperfetto film di Cianfrance: nel non cercare effetti speciali, scene fuori luogo, dialoghi da melodramma shakespeariano, momenti epici accompagnati di violini piangenti. No, si mette in scena la vita, la coppia l'amore, senza abbellirla o svilirla. Ci si accontenta di osservare, esternamente, la nascita ed il disfacimento di una coppia (grazie al sagace montaggio le due cose avvengono in contemporanea). Il tutto viene trattato con un tocco semplice, minimalista, che si accorda perfettamente con la lentezza del film. Belli i colori delle scene del passato, in contrasto con quelli più artificiali del presente, e davvero brillante l'idea della Camera del Futuro, come teatro dell'ultima notte assieme.

Ma oltre al tocco della perfezione silenziosa il film lascia con qualche dubbio: se nella rappresentazione classica dei love movie, le colpe tra le componenti di una coppia vengono sempre divise o quantomeno sono in compartecipazione, in questo caso sembra di essere in presenza di un rapporto tra una strega acida ed egoista (una brava Michelle Williams) ed un ragazzo semplicemente innamorato (un intenso Ryan Gosling) che accetta tutto, ma davvero tutto, pur di stare con lei.
Certo, la Williams rappresenta, per sua stessa ammissione una donna che non ama più il proprio uomo, che non sopporta e tollera più alcun gesto, e quindi non è più in grado di gestire serenamente il rapporto. E' una donna da amare o odiare, che non ammette mezze misure, come si lascia intendere nella scena della barzelletta sulla pedofilia. Ma fa quasi male vedere Gosling trattato così, senza nemmeno quel briciolo di pietà che si dovrebbe sempre ad un proprio partner. Ma è, evidentemente, l'amour en fuite, e non c'è più niente da fare.

Finale perfetto.


Voto 7/10

Ps

Davvero bella la sconosciuta You and Me dei Penny & The Quarters. Tutte le coppie hanno le stesse canzoni d'amore, noi no, ne abbiamo una che è solo nostra.

Drive

Meccanico, stuntman a piccole dosi, autista per malavitosi quando serve (come nei primi cinque, formidabili, minuti della piccola), il Ragazzo aka The Kid è un personaggio che non esiste. Non parla, accenna sorrisi, non ha paura, non cambia quasi mai espressione, comunica non verbalmente. Conosce Irina, la fragile vicina di casa che la vita ha invecchiato precocemente, e si trova coinvolto in una rapina assieme all'ex marito. Le cose non andranno come previsto.

C'è qualcosa di monumentale e di classico nella mono-espressività di Ryan Gosling - il ragazzo senza nome protagonista del film di Nicolas Winding Refn - nella sua mimica facciale in bilico tra apparente stupidità e freddezza cinica. Indossa sempre la stessa felpa, con uno scorpione sulla schiena. Che voglia dire che l'apparenza innocua può ingannare ed è sempre pronto ad essere letale? Il ragazzo non viene da nulla: "è arrivato qui 6 mesi fa, non so da dove," dice il suo capo all'officina. Forse da un mondo di miseria, violenza e oblio, se prendiamo in parola le frase che rivolge ad Irina: "tu e Benicio [suo figlio ndr], siete la cosa più bella che mi sia mai capitata". Non va verso nulla, come suggerisce il finale. E non sembra avere alcuna aspirazione fino all'incontro con Irina e Benicio: è grazie a lei che diventerà forse un real hero, sicuramente uno human being, un essere umano.

Frutto della lezione di Melville, Cronenberg e fratelli Coen, Drive è un noir che alla volta omaggio al film europeo di genere degli anni '70 e figlio delle influenze americane degli anni '80. Gli inseguimenti sono una miscela di spettacolo e scrittura, senza mai essere (troppo) fini a sé stessi. La violenza esplode improvvisamente per poi scomparire e rimanere in sottofondo. La sceneggiatura è di quelle che rasentano la perfezione: il film procede lentamente, senza urli, senza subire mai battute d'arresto, come fosse un treno regionale tedesco degli anni '30. L'unione di thriller, azione e dramma è pressoché senza sbavature, e l'innesto sentimentale non conduce il film verso lo squallido melodramma, ma anzi, conferisce maggiore dignità alle scelte dei personaggi. E Gosling pare, per la recitazione, un incrocio tra Eastwood e McQueen. Premio per la Miglior ragia a Cannes, meritato.

Coraggiosa la scelta del finale che risulta a metà tra il dramma e l'happy end.

Voto: 7,5/10


P.S.

Perfetta la canzone A Real Hero dei College.

Il Ragazzo con la bicicletta

Cyril ha 12 anni e vive in  un istituto per bambini senza genitori. Il padre è andato via di casa senza lasciare informazioni. Un giorno incontra Samantha, che decide di provare a prendersi cura di lui. La convivenza non si annuncia facile.

Un film dei Dardenne (L'enfant, Il Matrimonio di Lorna, Rosetta), normalmente si riconosce dopo pochi minuti. Il Ragazzo con la bicicletta non fa eccezione: personaggi difficili, confrontati con le asprezze della vita, le piccole meschinità del genere umano, l'ambientazione periferica di disagio industriale, la possibilità di redenzione attraverso la forza dell'amore. Rifiutato del padre, (della madre non c'è traccia) Cyril si aggrappa ferocemente alla sua bicicletta, e pedala con forza, in salita e di notte, alla ricerca della propria salvezza. In questo senso è inquadrabile la "felice" e leggera pedalata finale sul lungofiume con Samantha: qualcosa è cambiato. Attorno al ragazzino si muovono adulti gretti, disinteressati, freddi, ipocriti, senza alcuna empatia. Ognuno è abbandonato al proprio destino, anche i bambini, e solamente il caso, solamente l'amore, può salvare dal baratro.

Asciutto, sobrio, amaro, minimalista, senza urla, lineare come un'infanzia travolta dal dolore. Il ragazzo con la bicicletta è l'esempio perfetto di come riuscire a coinvolgere socialmente ed emotivamente lo spettatore, semplicemente raccontando una storia. Una, come tante.

Voto 7+

Ps

Bellissima colonna sonora sulle note di Beethoven

Angèle et Tony

Angèle è giovane, sbandata ed esce di galera. Deve recuperare la custodia del figlio, che vive dai nonni.  Si mette alla ricerca di un lavoro e di un uomo da sposare. Trova entrambi in Tony, marinaio. Ma il primo approccio non è dei migliori.

Comincia con una sveltina in cambio di una bambola di plastica, e si chiude con una corsa al mare, l'opera prima di Alix Delaporte. Lo stile sobrio, pieno di grazia, con il quale vengono raccontati i due protagonisti, ricorda quello dei fratelli Dardenne. E se inizialmente non c'è spazio né per l'amore, né per il sesso, i due riescono però a costruire lentamente un rapporto su basi serie. Su basi realmente affettive. Non è una coppia (ed un film) di dialoghi, ma di silenzi, di sguardi, di momenti. Perché la sensuale Angèla dovrebbe voler stare con il massiccio marinaio Tony? Se lo chiede lui per primo. E la risposta, potrebbe essere sbagliata.

E' un film sull'amore, ma senza enfasi, senza fuochi d'artificio. Sull'amore di coppia, ma anche su quello tra madre e figlio: Angèla, capendo che suo figlio preferisce (ancora per un po'?) stare dai nonni, gli evita il tribunale e le domande: "preferisci mamma o la nonna?".

Clotilde Hesme è bella, brava, piena di talento. E nel vederla penare sulla sua bicicletta, mentre, da sola, affronta le salite dalla vita (tutti gli altri, intorno a lei, sono in macchina, o in discesa: lei è quella destinata a faticare di più), c'è qualcosa di meraviglioso. C'è la lotta del singolo, frustrato ed isolato, che non rinuncia, non molla, e faticosamente continua a soffrire sui pedali.

Un film da vedere.

Voto: 7

Il Gioiellino

Come e quando la Parmalat (Leda, nel film) è fallita: connivenze politiche, truffe gestite con le banche, sprechi e cattiva gestione. E totale mancanza di etica.

Dopo La ragazza del lago, Molaioli decide di affrontare il caso Parmalat, confermandosi un regista talentuoso e capace di descrivere con bravura la (sordida) vita di provincia. Ma anche quella italiana.

La Leda, infatti, è un'azienda che "rappresenta l'Italia nel mondo" come dice un politico democristiano, protettore di Tanzi.

Malaffare, intrallazzi politici, falso in bilancio: c'è tutto dell'Italia del 2000 e degli anni '80. Remo Girone interpreta perfettamente Tanzi/Rastelli: uomo tutto casa, chiesa ed azienda, totalmente sprovvisto di etica pubblica, e disposto a tutto pur di salvare il suo "gioellino". Ma in sordina, senza alzare la voce, con il fare dal brav'uomo di provincia che s'è fatto da solo. La sua avidità, grettezza, e totale mancanza di scrupoli sembra invisibile, nascosta dietro alla sua faccia bonaria ed al suo carattere mite. L'iniziale determinazione al fine di salvare l'azienda (tecnicamente fallita sin dal 1992), diventa con il passare degli anni cupidigia, meschinità, illegalità diffusa.

Toni Servillo (ennesima buona interpretazione) è il suo fido ragioniere, irascibile, pronto alla frode ed incapace di qualsiasi slancio emotivo. Sono entrambi, facce dell'Italia, assieme al politico democristiano, che rimpiange i bei tempi. Quando si rubava tutti in allegria, senza problemi.

Malgrado la pesantezza dell'argomento trattato, il film ha pochi momenti morti (il viaggio in Russia, il ruolo del direttore del marketing), ed è ben scritto: le battute memorabili sono più d'una. Molaioli coniuga bene commedia e dramma, documentario e docufiction, senza mai perdere di mano il film.

Note stonate? Le scene erotiche tra Servillo e la Felberbaum sembrano un po' fuori luogo, ed il suicidio del direttore commerciale della Leda è rappresentato in chiave leggermente troppo patetica.

Voto: 6.5

Ps

Momenti cult:

1) Prima di incontrare il Presidente del Consiglio, Tanzi/Rastelli ricorda a suo figlio che deve ridere alle sue battute.

2) Tanzi alla Consob: "La Fiat sta fallendo, La Telecom non ne parliamo neppure, perché volete far affondare solo me?"

3) Servillo che interrogato dalla stampa si limita a: "Auguro a voi ed alle vostre famiglie una morte lunga e dolorosa"

Habemus Papam

Riuniti in conclave, i cardinali eleggono a sorpresa monsignor Melville. Dopo alcune esitazioni, egli accetta la nomina. Ma al momento di benedire la folla, i nervi, crollano.

Può un film sul Papa non avere niente a che vedere con la chiesa e la fede? Sì, e Moretti lo dimostra con il suo bel Habemus Papam. Il crollo di Melville non è dettato dalla mancanza di fede ( "ha problemi con la fede?") o dai dubbi religiosi, ma dalla consapevolezza della propria limitatezza umana. Dall'essere conscio di non poter assolvere ai compiti a lui demandati. Moretti gioca infatti sul peso che le altrui aspettative hanno nella vita di chi è costretto a guidare il gregge ("forse sono fatto più per essere condotto che per condurre"), sul peso del potere nelle vite umane, sulla responsabilità e la relativa fuga. Ma lo fa girando un film leggero, compatto, a tratti comico (impagabile alcuni siparietti tra il Moretti psicologo ["sono il migliore, me lo dicono tutti"] ed i cardinali), e mai banale.

Attori pressoché perfetti, Piccoli impagabile, musiche discrete. E Margherita Buy che non fa l'isterica: meglio di così!


Voto: 7

Kick Ass

"Perché nessuno ha mai provato davvero a fare il super eroe?" si chiede Dave, adolescente  newyorkese un po' sfigato senza particolari qualità.  Nell'epoca di internet, dopotutto, tutti hanno diritto al proprio quarto d'ora di celebrità.

Vaughn mette in scena il fumetto di Mark Millar, con ironia, cinismo, sarcasmo, ed esasperazione della violenza. Ne esce fuori un film quasi perfetto, senza sbavature (l'immancabile happy end, purtroppo), che può contare su un cast di attori in palla (perisno Nicolas Cage!), una colonna sonora entusiasmante, ed una regia rapida e senza tempi morti, senza che però il montaggio finale risulti troppo pubblicitario.
Il Kick-Ass, (super) eroe un po' scemo, più bravo ad incassare colpi che a darli, è un personaggio perfetto per illustrare una certa disillusione nei confronti del super-omismo e della realtà. Lo stesso "senso di giustizia" che anima Hit Girl e Super Daddy, è più tarantiniano (e quindi, vendicativo, senza pietà) che etico - morale. Non esiste più una giustizia a prescindere, innata e divina, ma solamente una personale e dettata dalla soggettività. Non a caso, tutti i "super-eroi" del film, si muovono per ragioni personali, sono, ovvero super-eroi di riflesso.
Gli omaggi non si contano, da Tarantino a Coppola, passando per Scorsese. E Hit Girl è troppo carina, quando taglia di netto le gambe ad uno spacciatore!

Voto 7+/10

Layer Cake - The Pusher

Giovane, bello e brillante trafficante di droga, decide che è ora di andare in pensione. Deve tuttavia svolgere un ultimo lavoro per il suo boss.

Dall'uscita di Le Iene, tutti i film gangster devono fare i conti con Tarantino. Layer Cake nn fa eccezione. Giocando sui dialoghi, i tempi morti,e le varie storie che si incastrano (come una torta layer, a strati), Vaughn confeziona un film godibile, frizzante, e ben interpretato. Certo, l'algido Craig può risultare indigesto, ma il suo modo disincantato di interpretare Mr XXX - non sono un gangster, sono un uomo d’affari il cui articolo si dà il caso sia la cocaina -, e la sua aria disillusa, gli conferiscono un certo fascino. Come va di moda ultimamente, è un film film thriller, di azione e gangster, in cui la polizia è assente e le donne fanno solo da tappezzeria. Normale?
Bella fotografia, colonna sonora impeccabile e cinismo dosato in modo furbo, alla Quentin, insomma. Debitore, per certi versi, anche nei confronti di Guy Ritchie.
Nessuna trovata geniale, ma un prodotto ben realizzato.

Voto 7/10

Ps

Quando i un film tutti i personaggi risultano terribilmente sgredevoli e buono o cattivo segno?

The Fighter

Micky Ward è un  pugile che vive nell'ombra del mito di suo fratello Dickie, ex pugile, tossicodipendente e suo allenatore. Dovrà trovare il giusto distacco per potersi finalmente affermare, in ogni campo.

Il cinema è pieno di film sulla boxe, di solito abbastanza riusciti. Anche in questo caso, la pellicola di David Russell, conferma la regola. Certo non è Racing Bull, e forse non vale, sul piano dell'enfasi drammatica, Cindrella Man, ma il film è godibile e di qualità. Incentrato sul rapporto tra i due fratelli, entrambi fragili e destinati ad avere un senso proprio solo in virtù dell'esistenza dell'altro, il film mantiene sempre il ritmo abbastanza alto, senza mai calare di qualità. Non ha paura il regista nell'affrontare temi complessi come quello della famiglia, del riscatto, della voglia di non mollare. In particolar modo la famiglia Ward viene rappresentata senza fronzoli: madre oppressiva, padre premuroso e senza personalità, sorelle megere, fratello istrione e crackomane. Tutti, a modo loro lontani dalla realtà. Sì può essere oppressi e buttar via la propria vita (e la propria carriera) per il troppo amore ricevuto? Sì può soffocare, perdere i propri tratti distintivi, non riuscire ad emergere solo per l'affetto riposto in modo sbagliato da parte della propria famiglia? A quanto pare sì, finché non ci si decide a dare una sterzata.

La salvezza di Micky, allora, una volta incassata una umiliante quarta sconfitta consecutiva, e quando è vicino al ritiro, passa per Charlene (una viva ed intensa Amy Adams), barista tradita dalla vita, ma con (ancora) la voglia di mettersi in gioco.

Attori ottimi, ma una citazione d'obbligo va a Christian Bale che confeziona una delle sue più grandi interpretazioni: è davvero straordinario. Notevole anche come sia riuscito a modificare il proprio fisico, fino a farlo aderire in modo totale al tossico fallito, dipendente dal crack. Buona anche la colonna sonora, e l'ambiente della città di provincia americana.

L'happy end trionfale, tradisce leggermente lo spirito libero e senza manicheismi della pellicola: è un peccato.

Voto: 7/10

Un gelido inverno

Ree è una adolescente che vive nelle zone montuose del Missouri, mandando avanti da sola la sua famiglia. La madre è malata, i fratellini son piccoli, ed il padre è assente. Quando un ufficiale giudiziario le comunica che il padre ha usato la loro casa come cauzione per uscire di prigione e che se non lo ritroverà entro pochi giorni, l'abitazione le verrà sequestrata, la ragazza dovrà scontrarsi contro le regole e le logiche della comunità locale.

E' un bel film quello della Granik. Sì va per immagini, immerse nella stagione invernale, che è una dei protagonisti del film (impossibile non notare analogia con il bellissimo Frozen river). L'America che ci viene mostrata non ha nulla a che vedere con quella malinconica e cinica di Woody Allen,o lussureggiante e catastrofica delle mega produzioni hollywoodiane. E' un'America profonda, dura, selvaggia, retriva, nascosta. E quasi pionieristica, con i rapporti ancora fondati sull'appartenenza familiare, il rispetto dogmatico delle convenzioni sociali. E sulla violenza.
La giovane Ree non ha avuto il tempo di crescere, di formarsi: è stata subito confrontata alle asprezze della vita. Malgrado ci provi con tenacia non può ribellarsi con successo alla sua comunità, ma la sua tenacia verrà comunque premiata, anche se, ovviamente, manca un vero "happy end".

La regista ha fiducia nelle proprie capacità e non si cura dunque di spiegare quanto piuttosto di mostrare. La sceneggiatura è infatti volutamente scarna: non sappiamo di preciso cosa abbia fatto il padre di Ree, e le informazioni sulla comunità sono ridotte al minimo (anzi, all'osso): non importa spiegare tutto, quanto piuttosto mostrare i meccanismi della desolazione morale, economica e sociale nella quale si muovono i protagonisti. Scordiamoci colpi di scena (anche se in alcune parti il film ha dei tratti thriller), dialoghi scoppiettanti o inquadrature mirabolanti, la regista contraddice il Piccolo Principe: solo l'essenziale deve essere visibile agli occhi.
Bravo tutto il cast, da vedere. E da meditarci su.


Voto 7/10

Another Year

Si inizia in primavera e si finisce in inverno. Un anno di vita di Tom e Jerry (sì sì: Tom e Gerry), coppia della middle class inglese (lei psicologa, lui geologo), e delle persone che ruotano intorno a loro. Il figlio avvocato, l'amico depresso, la collega triste e solitaria, il fratello di lui, vedovo.

Osannato dalla critica, il film di Leigh (Happy go lucky, Vera Drake, Segreti e bugie) è minimalista, e piacevole, nel suo rifiuto del colpo di scena, della spiegazione a tutti i costi, della tesi a prescindere.
Scritto in modo perfetto, dialoghi mai banali, e battute sempre giuste al momento giusto. Gli attori sono bravissimi (spicca una Lesley Manville meravigliosa, da Oscar!), ed il film, malgrado una certa lentezza di fondo, non è mai noioso.

Però.
Però, nel complesso ci si poteva aspettare di meglio. Malgrado vengano mostrate con rispetto le sofferenze dei personaggi, non si riesce davvero ad empatizzare con loro. Si rimane distaccati, dall'altra parte dello schermo, senza vivere pienamente il loro dramma. E, alla fine viene anche il dubbio che la coppia centrale del film, Tom e Jerry, non sia poi tanto felice. Che, i due, siano forse soddisfatti, appagati, ma non felici. Che anzi, abbiano rinunciato alla felicità, a favore di una quotidianeità appagante e senza sorprese.
Di più: che nel loro ricevere settimanalmente gli amici ci sia qualcosa di malsano. Che ostentino con leggerezza la loro coppia ben riuscita, quasi a ricordare loro, che se sono rimasti soli ed inappagati, debbano solo cercare le colpe in loro stessi. Quasi a ricordare loro che sono dei falliti. Dei miserabili.
Verrebbe voglia di metterli in Funny games e farli aggredire dalla coppia di assassini di Haneke..
Ma è comunque un film molto interpretabile.




Voto 6.5/10


Ps

Bello, dolente e struggente il personaggio interpretato da Peter Wight. E', in parte, come potrei essere tra 25 anni.

PPs

Da vedere la scena iniziale.
"In una scala da uno a dice, quanto si ritiene felice?"
"Uno"
"Allora direi che possiamo migliorare"

Il discorso del re

Regno Unito, anni '30. Il principe Alberto, secondogenito di Giorgio V, è affetto da balbuzie, che ne condizionano pesantamente la vita. Decide di rivolgersi ad uno specialista sui generis, Lionel Logue, per curarsi. Dopo che suo padre è morto, ed il fratello ha abdicato, si ritroverà nell'obbligo di guidare la nazione contro il mostro nazista. E di parlare, con frequenza, in pubblico.

E' bello il film di Tobe Hooper. Anzitutto perché sobrio: montaggio lento, nessun colpo di scena, rifiuto dell'happy end, attori tenuti a bada. E' un film di parole e di silenzi. Di parole mancate. E' un film su un uomo solo (al comando), perso nei suoi dubbi e sopratutto nella propria percezione di incapacità, di inadeguatezza nei confronti del mondo, e del ruolo che egli debba occupare: il capo dell'allora più gloriosa nazione del globo. I suoi lunghi silenzi lo rendono una persona impotente, incapace di reagire alle avversità. In questo contesto, si inquadra la figura di Logue (che bravo Geoffrey Rush, Oscar per il migliore attore non protagonista?), non è solo il bislacco logopedista di Bertie, ma anche la guida: attraverso il tempo passato insieme, il futuro Re apprende non solo a parlare meglio, ma sopratutto a dare linfa alla sua autostima, a liberarsi dei propri fantasmi. Impara a parlare, ed a essere uomo. E re.

Il film analizza inoltre il potere della comunicazione. Non può sfuggire l'importantissima scena con il filmato di Hitler: "Cosa sta dicendo quel signore papà?" "Non lo so, ma lo dice bene".
E' un mondo nuovo quello che sta nascendo, in cui il comunicare diventa la chiave della politica, la chiave per il controllo della società. Il linguaggio, verbale e non, è il modo per appropriarsi del consenso.

La pellicola ha fatto incetta di nominations per gli Oscar 2011. Tuttavia gli preferisco gli ottimi The Social Network, ed Inception.

Voto: 7.5/10

Ps

Timothy Spall (Coda Liscia, in Harry Potter!) è un Churchill un po' troppo caricaturale.

Pps

Il primo ministro britannico Baldwin rassegna le dimissioni, nel 1937, per un fatto d'onore e di etica: si era macchiato di miopia politica non capendo per tempo quali fossero le intenzioni di Hitler. E non si sentiva quindi più abbastanza degno di guidare la nazione.
A leggerlo ora, in Italia, viene da riderci su.

Tropa de elite - Gli squadroni della morte

Nel 2009, avendo inziato a stare con A., e quindi inziando ad interessarmi di cultura brasiliana, decisi che mi sarei acclimatato al paese con libri e film. Naturale divenne quindi vedere Tropa de elite, uno dei maggior successi commerciali di sempre del cinema brasiliano.

In vista della prossima visita del Papa a Rio de Janeiro, viene deciso che è tempo di "bonificare" le favelas. Le operazioni sono gestite da un reparto speciale, il BOPE. Matis e Neto, poliziotti semplici, stanchi della corruzione, decidono di far domanda per entrarvi.

Anzitutto: è un bel film. Montato benissimo (quasi fosse un spot pubblicitario), confezionato perfettamente (musica azzeccata, fotografia interessante, sceneggiatura completa, ritmo incalzante), girato con un certo talento. Voce fuori campo accattivante e camera a mano nei momenti clou. Ha solo un grande difetto: è un film fascista. Sì, perché attraverso Matias assistiamo ad una conversione politica: da poliziotto progressista ed illuminato a violento repressore, di più: vendicatore. Certo il film offre spunti ed una buona analisi dello spaccato sociale delle favelas: chi le abita, perché giri la droga, chi le mantiene (i ricchi della società bene, tra gli altri), ma tutto l'impianto del film, suggerisce che alla fine, contro i ratti, i gatti debbano usare la forza. E non c'è spazio per processi o altre pratiche dello stato di diritto. Agire e reprimere subito. Senza passare per il tribunale.

Voto 7/10

Ps

Mentre ero ad Amsterdam (ultimo viaggio con A., agosto 2010) ricordo che ebbi una terribile discussione con la mia "amica" Linnea, la svedese brillante, stronza e spocchiosa. Secondo lei, se un film era fascista, non poteva essere un buon film. Io le risposi che un film poteva essere anche fascista ed avere però alcuni meriti artistici. La sua chiosa fu: "well, u're italian, so maybe fascist and fascism for u is such a good thing."

Mi rifiutai di risponderle.

Del resto: capiva un cazzo di cinema lei.

Gattaca

"Ogni bracciata verso l'orizzonte era una una in più che dovevamo fare per tornare a riva." E' una della frasi di apertura di Gattaca. Leggibile in diversi modi. Per me era la chiave di lettura del mio fallimento. Mi ero spinto talmente in la, l'ultima volta che avevo nuotato, che non avevo conservato le energie necessarie per salvarmi e tornare a riva. Di più: avevo puntato direttamente l'altro lato della riva, non tornare più indietro. Poi però era successo che l'altra riva aveva cessato di esistere (ma era mai esistita, davvero?) ed ero dovuto tornare indietro. Sbracciarmi, nuotando senza più forze. Ed ero arrivato alla sabbia, oramai esanime.

In un "futuro non molto lontano", gli esseri umani vengono concepiti con particolari tecniche genetiche e diventano così "validi". Gli altri, quelli concepiti con il "vecchio sistema" sono invalidi. La società rispecchia questa divisioni tra classi. Cosa succede quando un non valido ha il sogno di diventare cosmonauta, una professione riservata ai validi?

Niccols confeziona un film d'autore mal riuscito. Non sembra mancare nulla per ottenere un capolavoro: scenografie belle e minimaliste, grande colonna sonora della svedese Nyman (e Schubert), storia interessante, sviluppata, tutto sommato, bene, e regia diligente. Eppure manca qualcosa. Non si riesce ad empatizzare con i personaggi, ed il mondo Orwell - Huxleyano non riesce a vivere di vita propria, a diventare un personaggio. Certo il film rimane interessante per tutte le sue implicazioni filosofiche (quali sono i veri limiti umani? può fallire anche chi.è stato programmato per il successo?), sociali (è questa, la società che avremo nel futuro? oppure: gia viviamo in questa tipo di società senza accorgercene, solo che al posto del DNA viene valutata la nazionalità ed il pedigree familiare?), e politiche.

Comunque godibile. Uma Thurman bella, come al solito.


Voto: 6.5/10

Ps

Troppi (sotto?)"finali". E nemmeno azzeccati.

La ricerca della felicità

"Questa parte della mia vita, questa piccola parte, si può chiamare, felicità." 
E' così che si chiude (quasi) il film. In questo momento potrei dire, a proposito di me stesso: "Questa parte della mia vita, questa piccola parte (?), si può chiamare, infelicità."

San Francisco, anni '80. Chris è un venditore, in crisi economica ed affettiva. Sua moglie non regge le pressioni e decidere di abbandonare lui ed il figlio. Davanti a sé, uno stage non retribuito per diventare broker, ed il piccolo Christopher da mantenere, senza soldi. Inizia la sua personale ricerca della felicità.

Muccino m'è antipatico, ed è un regista sopravvalutato. Rammento ancora con orrore il suo Ricordati di me.
Tuttavia, con La ricerca della felicità confeziona un buon film. Scritto bene, diretto con bravura, ben interpretato. Ben confezionato.
Le disgrazie che si abbattono su Chris non lo scoraggiano mai, non lo portano mai ad abbandonare quel diritto "alla ricerca della felicità" sancito dalla costituzione americana. E così, senza soldi, con poche prospettive, e senza l'appoggio di sua moglie, il protagonista (ottimo, davvero, Will Smith) mostra che si può e si deve, andare avanti, senza mai perdere la dignità, e la capacità di sognare.
Ma sognare cosa?
Il sogno tipicamente americano. Il mito della realizzazione materiale. E' un film infatti, tipicamente americano, ed imbevuto di prospettive americanocentriche (eppure il regista è italiano..). Certo, Muccino non manca di mostrare che il rovescio della medaglia sia l'incubo americano: dopotutto, in Europa, un padre di famiglia non si ritroverebbe per strada con il figlio, solo per quattro multe non pagate ed un paio di mesi storti. Ma tutte la sfortune, i drammi che si abbattono sul premuroso padre ed il figlioletto al seguito (c'è persino una chiara citazione di Ladri di biciclette), sembrano esistere solo in ragione dell'immancabile happy end. Rendendo un po' meccanico l'intero film. Peccato.

Voto 7/10

Ps

A quando un film, non di nicchia, sull'uomo medio che messo di fronte alle sfide della vita, non ce la fa? Forse però non incasserebbe 160 milioni di dollari.